Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio, fue un pintor Italiano considerado como el primer gran exponente de la pintura Barroca.

Caravaggio coloco la oscuridad en el claroscuro. El claroscuro llego a escena antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue el quien le dio la tecnica definitiva, Caravaggio oscurecia las sombras y transformaba el objeto en un eje de luz, cada vez mas penetrante. Con esta tecnica, los demas artistas comenzaron a plasmar el disico y la psicologia de los personajes de una forma cada vez mas real. Cravaggio se caracterizo tambien por su rapidez para ejecutar obras marcando lineas basicas directamente sobre el lienzo y utilizaba como modelos a dos personajes que luego se convirtieron en pintores, estos dueron Mario Minniti y Francesco Boneri; otros modelos fueron algunas prostitutas, quienes posaban para figuras de virgenes o santas (algo que fue muy criticado).

Caravaggio tuvo una notable habilidad para expresar en determinadas escenas de insuperable viveza a llegada de un momento crucial como por ejemplo:

En los disipulos de Emaus el momento en que Cristo, haciendose pasar por un viajero, se reune con sus discipulos para compartir su alegria.

El arte Barroco

El arte Barroco se desarrolla en los siglos XVII y XVIII.

• CARACTERISTICAS:
  Entre las Caracteristicas generales del arte barroco estan su sentido del movimiento, la energia y tension. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenograficos de muchas pinturas, escuturas y obras arquitectonicas. Una itensa espiritualidad aparece con fecuencia en las escenas de martirios y apariciones milagrosas. La insinuacion de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barroca, tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores prestendieron siempre en sus obras la representacion correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra caracteristica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representacion de los sentimientos ineriores, las pasiones y los temperamentos, magnificamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de el uno de los estilos mas arraigados del arte occidental.

• PINTURA:

El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus limites imprecisos, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos, la sposturas violentas y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.

Las obras barrocas tienes las siguientes caracteristicas:

-Se usaron composiciones menos simetricas y personajes con actitudes poco serenas, para dar una mayor movilidad y fuerza a las representaciones.

-Se utilizo la tecnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizar los fuertes efectos luminosos, es decir , que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.

-Las representaciones tenian gran emotividad y los personajes mostraban sintimientos intensos.

VENUS

La diosa venus en una de sus faces mas importantes, "el sueno"


- Descripcion acerca de la pintura:
En este cuadro encontramos a la diosa luciendo su explendor mientras se acuesta a la sombra de unos peñascos. Su mano acaricia su parte íntima, y una suave ceda la cubre, sobretodo la parte inferior física.


Esta representando al máximo la sensualidad, el poder de la belleza en vez de la guerra. Podemos denotar de esta pintura que VENUS no recurre a la violencia para lucir su poderío, ella usa la arma de la SEDUCCIÓN...


Venus también representa los deseos ocultos, lo erótico, lo que tenemos escondido en nuestro subconsciente, ella esta mostrando esa parte en su sueño y el campo refleja el deseo de SERENIDAD y NATURALEZA que quiere plasmar mientras duerme. Es como que el sueño se REALIZÓ.


Otra cosa importante es que ella ocupa mas de la mitad de la pintura, es una de las fases que todo artista renacentista debe tomar en cuenta.

Venus y marte (Descripcion)

Venus aparece vigilante mientras su amante, Marte, el dios de la guerra, duerme. Tres traviesos sátiros juegan a su alrededor y ni así consiguen sacarle del profundo sueño. Los amantes aparecen reclinados uno junto al otro, en una gruta formada por un mirto, árbol dedicado a Venus, lo que hace suponer que nos encontramos en un espacio dominado por la diosa del amor, idea reforzada por el gesto y la posición dominante de Venus. La diosa, observando con mirada atenta y segura a su amante medio desnudo, se cubre con un vestido casi transparente con cintas doradas y un broche de perlas sobre el pecho que adornan la blanca túnica de Venus, entendiendo el broche como un símbolo de castidad.

Sandro Botticelli - Venus (Descripcion)

El nacimiento de Venus es uno de los cuadros más representativos de Sandro Botticelli. En esta composición aparecen cuatro personajes mitológicos: Céfiro(Dios del viento del oeste), su mujer Cloris o Fauna(ninfa de la brisa), y la diosa Venus. Céfiro y Cloris eran divinidades del viento y en esta obra representan la unión de la materia y del espíritu que acercan a la diosa a la orilla de Cítera. Allí, la Primavera, una de las tres Horas o ninfas las cuales representaban las tres estaciones que tenia un año griego y que eran divinidades griegas, hijas de Zeus y Temis, la espera con un manto para vestir su desnudez. El manto lleno de flores que sostiene la Hora deja ver claramente que se trata de la Primavera, la estación más ligada con la Diosa y que simboliza el renacer, palabra muy propia para el título del cuadro. Lo mas resaltante de esta obra es que desde la época clásica, es la primera que representa a la diosa del amor desnuda ya que Botticelli es uno de los primeros autores renacentistas, y huye de su época anterior, en donde se pintaban vírgenes totalmente vestidas, para volver en cierta manera a los ideales clásicos.

Historia del Renacentismo

Históricamente, el Renacimiento se originó en la era de los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas. El Renacimiento comenzó en Italia en el s.XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI.

En este periodo, la fragmentaria sociedad feudal de la Edad Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual dominada por la iglesia, se transformó en una sociedad dominada progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música.

El desmembramiento de la cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, la introducción de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura. Paralelamente a la revolución operada en el mundo de las ideas, surgió a principios del s.XV un renacimiento artístico en Italia (Renascita) de empuje extraordinario.

El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar anatomía, técnica del claroscuro, leyes de perspectiva, los modelos de la antigüedad clásica, etc. Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, dominó distintas ramas del saber. Es curioso que mientras surgía en Florencia el Quattrocento o primer Renacimiento italiano (s.XV) gracias a la búsqueda de las bases científicas del arte, se produjera un fenómeno parecido y simultaneo en Flandes (especialmente en pintura), basado sólo en la observación directa de la vida y la naturaleza.

Este Bajo Renacimiento tuvo gran repercusión en la Europa Oriental (el Kremlin fue obra de artistas italianos). La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento (s.XVI), se caracterizó por la hegemonía de Roma, y hasta el saco de la ciudad en 1527 los Papas decidieron en el mundo del arte (Julio II, León X, Clemente VII); con las guerras de Italia los artistas emigraron y propagaron los principios renacentistas por toda Europa Occidental. Durante la segunda mitad del s.XVI se inició ya la decadencia del Renacimiento, que cayó en un rígido formalismo, y tras el manierismo dejo paso al barroco

Dinamismo en el Gótico

El dinamismo es; por ejemplo, el quitarle la rigidez a los rostros de sus esculturas. Prefieren darles movimiento y naturalidad, tanto en cuerpo como en sus facciones, a su vez que tratan y logran por así decirlo llegar a lo que vendría a ser una especie de realismo.

¿Cómo se traduce la Escolástica en el gótico?

En el gótico podemos notar como en su arquitectura o esculturas emplean la escolástica. Pues su arte ahora se basa en fe y razón. Lo aprendido en las escuelas catedralicias fue aplicado en lo que vendría a ser sus construcciones. Por ejemplo, el estilo de sus techos llegó a obtener tendencias árabes, lo cual también se dio en la escolástica.

¿Qué es la Escolástica?

La escolástica es un movimiento teológico y filosófico, que se basó principalmente en la filosofía grecolatina; para así poder llegar a comprender lo que vendría a ser la ‘revelación religiosa del cristianismo’ No obstante, no solo se puede apreciar la grecolatina, también árabes y judaicas.